Artition: How would you describe your work/art/style?

XRDM: My work is almost always representational. I work from the three dimensional form, which means I try not to use photographs. It is hard, especially with commissions and portraits, but ideally I work from life. In my work I try to portray the subject exactly as I see it, without exaggerating and romanticizing. I think there is a beauty in observing reality, rather than interpreting and changing it somehow. In my still-life compositions I usually do have a narrative in mind, and a concept or message that I try to communicate through inanimate objects. In Reaching, for instance, I used objects that are commercially manufactures, but trying to imitate humanity in their appearance. The idea is that they are reaching up to something that they aspire to be, which literally, is humanity; I would like to think that my drawings could be interpreted allegorically for many situations other than the literal situation portrayed in the piece.

“Monochrome-Self”

Artition: What or who inspires you?

XRDM: In terms of my technique Baroque, and Neo-Classical painters most often inspire me. Caravaggio, Rembrandt, Jacques-Louis David, and Ingres are really big inspirations. I also love Käthe Kollwitz, Paul Cadmus, and James Ensor. The reason many of my compositions are square is mostly because of my admiration for Andy Warhol’s ideology of Pop being a universal art, which is something I try to recreate. I am very much inspired by Walt Disney, Andy Warhol, and Lady Gaga, not so much for the content of their work, but because I am absolutely obsessed with The Factory environment and try to recreate that for myself. Thus, I have to mention, that I surround myself purposely with people I admire greatly, which varies from Fashion designers to Musicians. Alexander McQueen’s show, Plato’s Atlantis, absolutely blew me away and the way the show incorporated the fashion, with the make-up and hair, and the music, and the stage and production design was phenomenal and one of the most inspiring things I’ve ever seen. Similarly, Matthew Barney’s Cremaster Cycle is something I really love for the same reason. Ultimately, I’d like to work in a way in which I could incorporate all types of art, because everything inspires me. Recently I designed and executed a drawing for the band AmPm, which I was really excited about because I felt I was somehow recreating Andy Warhol’s collaboration with The Velvet Underground. I am inspired by a very wide variety of things. Music seems to inspire me the most and I have many drawings that are directly based on contemporary music. Musicians like Fever Ray, Björk, Kraftwerk, David Bowie, The Beatles, and many other musicians often inspire me to create and often determine the subjects of my drawings. One thing that people tend to overlook, and I feel I need to make more obvious, is the inspiration and content of my art, which more often than not, is Pop. Films really inspire me as well; most notably the work of David Lynch, Michael Haneke, and Stanley Kubrick.

Artition: Is there a message you want to communicate with your art?

XRDM: I’ve probably answered that already. Yes, there’s always a message I try to communicate in my art. In my portraits and figure drawings I usually just try to show reality. And although I do think that in a very subtle way, light can have meaning and be metaphorical, I usually try to create a more calculated message with my still-life pieces because it is more accessible or more obvious to interpret subjects rather than light. It is imperative to me, that there be a message, and I try in my still-life compositions to make that as apparent as possible. For instance for Venus, my main inspirations were Paul Cadmus, and Jean Paul Gaultier’s collaboration with Madonna during the Blonde Ambition period. Paul Cadmus is one of the most fascinating painters to me, and I am particularly fascinated with his marks and the way he describes form. Jean Paul Gaultier’s pieces, I realized, have a similar aesthetic in terms of how his corsets shape the Female figure. Ultimately, the piece took a life of its own and I think it represents the ambiguity of iconography and how a Venus figure can elude both to Antiquity as well as Madonna.
In Eye of David, cash inspired me. I examined the dollar and decided to juxtapose the Eye of David with a feather, which subject-wise was inspired by the back of a one-dollar bill, where the Pyramid is shown below the all-seeing eye, and the Eagle on the other side of the word One. Of course the story of David provokes a world of interpretations and symbolism as well.

“Taylor”

Artition: How do you like artition and what would you like to be added or changed?

XRDM: I honestly really like Artition as it is and the community seems immensely talented. One thing I had trouble with was creating different galleries. I would like to keep my sketches in a separate gallery from my finished pieces, and never quite figured out how to do that.

Artition: Who would you like to change life with for one day?

XRDM: If I could choose anyone from the past or the present I would definitely choose Napoleon Bonaparte. I think the way he formed his image through art and iconography, and collaborated with painters with political objectives is absolutely brilliant. But if I had to choose a contemporary figure I would have to say Lady Gaga, because she’s the most famous.

Artition: Who is your favorite artist?

XRDM: I really don’t have a favorite artist. It depends on my mood, on what I’m working on, and on the medium I am most fascinated with at the time. In terms of painting, I would probably narrow it down to Jacques-Louis David, Rembrandt, and Caravaggio. My favorite musician right now is Kraftwerk, but two weeks ago was Bjork, and before that was The Beatles. I also started listening to a band called Best Coast who I really like a lot. I have been fascinated with David Lynch for quite some time and am tempted to call him my favorite director.

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“Reaching”

Valextra – “Premier”

Bottega Veneta – Mattita and Truffle Shiny Calf”

Louis Vuitton „Bequia“

T. Anthony – “Tundra”

Bally - “Masalec”

Choosing the right works for your observers is key in being a successful ‘Artition’ and achieving the right attention.

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Es ist die große Siegerehrung: Zu seinem 50. Geburtstag würdigen Ausstellungen in Leipzig und München das Gesamtwerk des Malers Neo Rauch. Für seine Bilder werden inzwischen Millionen gezahlt. Was manchen immer noch verwundern mag, schließlich bedient sich Rauch einer gewisse Sozialismus-Ästhetik.

Vielleicht sollte man einmal die Frage stellen, wo Neo Rauchs Bilder eigentlich herkommen? Es ist nämlich nicht so, dass die Leinwände in Depots in Leipzig eingelagert wären. Rauchs Bilder findet man in Miami, Los Angeles – und sogar auf Hawaii.

Man weiß nicht, was Sammler in solch sonnenverwöhnten Badeparadiesen an Rauchs verschatteten ostdeutschen Landschaften interessiert. Offensichtlich ist jedoch, dass der Aufstieg des Leipzigers zum „Malerstar“ kein ausschließlich einheimisches Phänomen ist.

Rauch hat seit knapp zehn Jahren die Unterstützung einflussreicher amerikanischer Sammler, er ist dort als einer der wenigen deutschen Maler seiner Generation durchgesetzt und auch wenn seit jüngster Zeit ehemals wohlwollende US-Kritiker wie Jerry Saltz vom „New York Magazine“ leise Zweifel an der dauerhaften Wirkung seiner Kunst anmelden, ist ihm zumindest eine Zeit lang der sichere Sitz im Kunstkanon garantiert.

Jetzt wird Neo Rauch 50 Jahre alt. Und feiert mit seinen Bildern: Der erste Teil seiner Doppelretrospektive eröffnet an seinem Geburtstag im Museum der bildenden Künste in Leipzig, Teil zwei dann am Montagabend in der Pinakothek der Moderne in München.

120 Werke werden gezeigt – eine Art große Siegerehrung. Ganz leicht kann es für die Kuratoren nicht gewesen sein. Das Œuvre lässt sich zwar ohne größeres Blutvergießen zwischen zwei Museen aufteilen, das zeigt aber auch schon, dass es für eine Rauch-Retrospektive keine einfache Blaupause gibt. Jedes Bild kann, keines muss dabei sein. Rauch hat keine „Demoiselles d’Avignon“ wie Picasso, keinen Stammheim-Zyklus wie Richter.

Er selbst könne auch nicht das eine entscheidende Bild in seinem Gesamtwerk identifizieren, sagt der Künstler, der stets auf hohem, aber gleichmäßigem Niveau gemalt hat. Und so wird der Besuch der Doppelretrospektive weniger ein schnelles Abschreiten der Highlights und eher ein langsames Abgleiten in das Universum des Künstlers, in dem verschiedene Figuren und Themen unablässig durch die Bilder kreiseln, die Werke miteinander reden und allmählich gemeinsame Erzählungen anstimmen, von Erschöpfungszuständen, gesellschaftlichem Auseinanderdriften, den magischen Kräften der Natur, jähen Gewaltausbrüchen, den Schwierigkeiten der Malerei und auch immer wieder von der Gemeinheit der Kunstkritiker.

Ein wenig ähnelt eine Ausstellung von Neo Rauch einem aufgeschlagenen Bilderbuch. Man kann sich leicht an den Szenen festlesen, jede einzelne seiner rätselhaften Kompositionen mit ihrer Vielzahl von Referenzen kann unendlich lange ausinterpretiert werden und ist am Ende doch nicht erklärbar. Gut möglich, dass es irgendwann bei Kunsthistorikern das eigene Fachgebiet der Rauch-Exegese gibt.

Die zwei Teile der Retrospektive versuchen auf unterschiedlichen Pfaden an das Rauchsche Werk heranzuführen. In München gruppiert Kurator Bernhart Schwenk die Gemälde nach formalen Ähnlichkeiten. Am Beginn stehen drei Bilder, die vorwiegend mit tonalen Abstufungen einer einzigen Farbe gemalt wurden: „Das Blaue“ von 2006 sowie zwei neue Werke, die erst in diesem Jahr fertiggestellt wurden: das rote „Übertage“ und das gelbe „Kalimuna“. Letzteres zeigt Menschen auf einer Straße vor zwei Ladengeschäften, in denen Kalisalz und Munition angeboten werden. Im Hintergrund ist ein Bergwerk zu sehen.

Wie so oft hat das Bild auch mit Rauchs Biografie zu tun: Seine Großmutter, bei der er aufwuchs, arbeitete im Krieg in einer Munitionsfabrik. Gleichzeitig demonstriert das Werk den eigentümlichen trockenen Humor, den der Leipziger in seinen Arbeiten gelegentlich durchschimmern lässt. In dieser doch eher altertümlich wirkenden Szene wird auf einem Verkauftresen neben Patronen und Salzkristallen auch ein Gegenstand angeboten, der entfernt an ein Handy oder ein iBook erinnert.

Nach dem „bunten Rauch“ im ersten Raum kann man in München noch der „braunen Rauch“ sehen, in dessen Bildern dunkle Töne dominieren und sich abstrakte Farbschlieren in die figurativen Szenen hineinfeuchten wie Stocknässe. Das sind vermutlich die typischsten Rauch-Bilder, fast schon Klischees ihrer selbst.

Weitere Räume demonstrieren, wie Rauch seit den 90er Jahren die Entwicklung der Malereigeschichte noch einmal in umgekehrter Reihenfolge vollzogen hat. Am Anfang seiner Karriere stehen flächige Bildträger mit stark grafischen Kompositionen und Protagonisten, die durch ihre Anleihen bei Comics und sozialistischen Werbeplakaten auch immer ein wenig an verblichene Pappfiguren erinnern.

Kurz nach dem Jahr 2000 entdeckt der Künstler dann die Raumtiefe und konstruiert seither verschachtelte, fast schon altmeisterlich gemalte Bühnenräume, auf denen sehr lebendig wirkendes Darstellerpersonal absonderliche Stücke aufführt.

THEMATISCHE ASSOZIATIONEN ZWISCHEN DEN BILDERN

Während man in München die Werke aus einem kunstwissenschaftlicheren Blickwinkel zu betrachten scheint, setzt man in Leipzig deutlicher auf thematische Assoziationen zwischen den Bildern. Es gibt Bildgruppen zu Situationen mit Arbeitern und zwei Räume, in denen besonders fantastische Bilder hängen: alptraumhafte Szenerien, in denen monströse Schlangen unerwartet aus dem Schilfland auftauchen, Fliegen sich in Menschen verwandeln und dämonische Gestalten mit Widderköpfen aus Büchern predigen.

Dann stößt man überraschend auf zwei kleine Selbstporträts, die belegen, dass der ernste Maler auch einen Sinn für Humor hat. Einmal Rauch als Rockabilly mit umgeschnallter Gitarre und einmal Rauch, der nach lästigen Motten schlägt – so wie King-Kong auf der Spitze des Empire State Buildings nach den Flugzeugen.

Die beiden Ausstellungen zeigen schön, wie vielseitig Rauch in der Variation seiner Malerei ist. Andererseits verdrängt man durch den Verzicht auf eine chronologische Anordnung, dass der Maler kein wirkliches Frühwerk besitzt. Mit der Wende, da war er 29, warf Rauch sein malerisches Konzept vollständig um, verzichtete fortan auf alle subjektive Expressivität, die in der DDR noch als subversiv gelten konnte und wandte sich dem zu, was im Westen damals als Tabu galt: In der Malerei mit Figuren Geschichten zu erzählen.

Der zeitliche Zusammenklang hat nun dazu geführt, dass Rauchs neue Malerei so alt ist wie das wiedervereinte Deutschland. Mit 50 scheint Rauch nun in der Lage zu sein, jeden seiner Träume oder Alpträume auf die Leinwand bringen zu können. Da er spät zu seinem Stil gefunden hat, ist nicht mehr zu erwarten, dass er seine Malerei noch einmal grundlegend verändert. Er wird sie weiter verfeinern. Und wenn sich irgendwann wieder eine größere Bandbreite an Emotionen in die Bilder schleicht und den allgegenwärtigen Nebel der Melancholie vertreibt, dann werden seine Bilder nicht nur beeindruckend und bedrückend sein, sondern auch mitreißend.

VON TIM ACKERMANN

Dear Friends! I will be twittering live from this years Art Cologne and post about the greatest new (and old ) artists.

The 44th fair will be the most international ever. Modern and post-war will occupy level 1. Level 2 will present contemporary galleries, as well as Open Space and New Contemporaries, ART COLOGNE’s proven platforms for the presentation of young and cutting-edge international art.

The Vernissage will take place on April 20, 2010 from 5 p.m. until 9 p.m.

Watch the interview with the Art Cologne director Daniel Hug:

www.artcologne.de